El Juicio Final, una pintura imponente.

          En 1535, el papa Pablo III encargó a Miguel Ángel, las pinturas de la pared del altar de la "Capilla Sixtina", destinada al "Juicio Final”. Es importante resaltar que este fresco fue encargado en un principio por Clemente VII. En ese momento, él le había propuesto pintar La caída de los ángeles. Pero fue Pablo III quien ordenó la escena del Juicio Final.

          En el "Juicio Final", Miguel Ángel prescinde de los efectos escenográficos de las arquitecturas utilizados en la decoración de la bóveda para condensar la tensión en el contrapunto entre espacio y las concentraciones de figuras que ocupan diversos núcleos. El equilibrio entre argumento cristiano y el clasicismo pagano de las composiciones imperante en la bóveda se rompe a favor de un patetismo expresivo y angustiado. Un gran torbellino de justos subiendo al cielo y de condenados descendiendo a los infiernos agita una gigantesca marea de cuerpos humanos. Únicamente, el juez supremo, con gesto mayestático, imberle al estilo clásico, apolíneo y hercúleo reúne a las masas a su alrededor.

          En la parte superior está ocupado el mundo celestial. La imagen de Cristo aparece en el centro de la obra con el brazo derecho alzado, haciendo un enérgico movimiento para separar a los justos de los pecadores. Se le notan las manos y pies marcados por la crucifixión, y una herida en el pecho por una lanza. Junto a él se encuentra la Virgen María, temerosa. Detrás de ellos surge un destello de luz, y se encuentran rodeados de santos, apóstoles, mártires, confesores y bienaventurados de la iglesia.

          Debajo aparecen un grupo de ángeles, unos con trompetas y otros con el Libro de la Vida y el Libro de la Muerte.

          En la parte inferior de la obra, el grupo se divide en los que ascienden al cielo (izquierda) los que estaban en la Tierra al momento del llamado de Dios; y los que descienden al infierno (derecha), que han sido condenados, se ven desesperados y son obligados a subir a la barca de Caronte.

          Se muestran también dos lunetos en la parte superior del fresco. A la izquierda unos ángeles llevan la cruz, clavos de la pasión y corona de espinas, y a la derecha, otros llevan la columna de flagelación de Cristo

          La pintura al verse finalizada provocó toda suerte de polémica y críticas por los desnudos allí expuestos. Para muchos no se consideraba moralmente apto que ese tipo de figuras se vieran en un lugar tan sagrado como la Capilla Sixtina.

          Se acusó a Miguel Ángel de herejía y se intentó destruir el fresco. Aunque el papa Julio III era tolerante y no se preocupó de los desnudos, a su muerte se decidiría la «corrección» del fresco colocando paños de pureza a todos sus personajes.

EXPRESIÓN CORPORAL

           Los seres humanos podemos expresar nuestras ideas, sentimientos y experiencias de muchas formas. Las formas de expresión más usadas son el lenguaje oral y el escrito, pero también podemos expresarnos a través de nuestro cuerpo y a esto le llamamos expresión corporal.

          La expresión corporal es el conjunto de movimientos, gestos y sonidos que acompaña a nuestra comunicación oral para completar la expresión de ideas, sentimientos y experiencias.

          La expresión corporal busca el desarrollo de la imaginación, el placer por el juego, la improvisación, la espontaneidad y la creatividad. El resultado es un enriquecimiento de las actividades cotidianas y del crecimiento personal. Además, enseña a encontrar modalidades de comunicación más profundas e íntegras, lo que repercute en el encuentro con los demás. La expresión corporal ayuda a descubrir los mecanismos de funcionamiento de los distintos grupos humanos: equipos de trabajo, alumnos de clase, entre otras.

          La expresión corporal también se presenta en formas artísticas como la danza, el baile, la pantomima, la mímica y la dramatización.

          En estas expresiones corporales, el movimiento del cuerpo sigue el ritmo de una pieza musical.

          El baile, generalmente no está asociado a festividades religiosas o folklóricas, sino a géneros musicales como podrían ser: el valse, la salsa, el merengue, el joropo, el dance, entre otros.

          La danza, al contrario de baile puede estar asociadas a festividades folklóricas o religiosas, incluyendo el baile mezclado con algo de dramatización.

          Por ejemplo, los diablos danzantes de Yare, las fiestas dedicadas a los santos, los carnavales y las celebraciones navideñas se consideran más como danzas que como bailes.

          En estas expresiones corporales, los movimientos del cuerpo, los gestos faciales, la emisión de sonidos se combinan para expresar ideas y emociones con un uso mínimo del lenguaje oral.

          Dramatización consiste en simular situaciones reales o imaginarias mediante palabras, sonidos, actitudes y movimientos. En la dramatización la expresión corporal tiene tanto valor como la palabra para expresar ideas y emociones.

          Pantomima, es una dramatización donde no se usa el lenguaje oral. En la pantomima, la comunicación de ideas y emociones la logra el actor mediante gestos, actitudes y movimientos.

          En cuanto a la mímica, es una dramatización donde la expresión de ideas y emociones se realiza casi exclusivamente con gestos faciales. Generalmente, la mímica está asociada a la pantomima.

          La expresión corporal, como disciplina educativa, fue creada y formalizada por Patricia Stokoe en la década del sesenta. El concepto básico es el de danza libre, pero en una forma más general, la definición de expresión corporal abarca toda manifestación del cuerpo que utilice el movimiento como medio.

          El movimiento no se limita a la ejecución estereotipada de un ejercicio físico, sino que es la expresión del cuerpo en todos los niveles de la conducta: psicomotriz, socio-afectivo y cognitivo.

ARTE EGIPCIO

        

  Los egipcios supieron crear un estilo propio que se conservaría a lo largo de toda su historia y entre los temas más frecuentes figuran los motivos geométricos, que se representaban en las primeras vasijas, y posteriormente, en los frisos de pinturas de tumbas, así como la vida del Faraón y temas bélicos, imágenes de la vida de ultratumba y escenas funerarias, pero también de la vida cotidiana y textos jeroglíficos. En algunas de esas pinturas aparecían motivos religiosos, en los que se representaban a los dioses, y frecuentemente, al faraón en actitud de ofrenda hacia ellos, pero también los históricos, especialmente en los templos, en los que se narraban batallas y hechos que aportan luz en estos tiempos contemporáneos sobre diversos episodios de Egipto. Se han podido ver aspectos de la naturaleza, como vegetales o animales, lotos, palmeras, peces, aves, diversas representaciones que nos ayudan a conocer cómo era la flora y la fauna de esa nación.

          Entre las características de la pintura egipcia se encuentra su representación bidimensional, solamente en dos dimensiones, sin aportar sensación de relieve, sin sombras e inclusive el efecto que les aportaban los colores eran planas.

          Las pinturas egipcias se representaban vistas de frente, si bien cuando se trataba de un ser humano, pintaban la cabeza, los pies, las manos y los senos de perfil, el ombligo de tres cuartos, y el resto del cuerpo de frente.

          Los egipcios se pintaban idealizados y siempre jóvenes, porque para ellos lo válido era su visión de la realidad, intemporal, sin cambios, sin influencias del exterior, y esto pasados los siglos ha permitido reconocer la pintura del Antiguo Egipto y sus características, entre el resto de representaciones pictográficas de cualquier época, lugar o corriente estilística. Entre la arquitectura egipcia podemos mencionar:

           Pirámides, las cuales son una construcción funeraria concebida para que en ella repose eternamente el faraón y los objetos que permitían la vida de ultratumba. Sin embargo, algunas nunca se utilizaron. La pirámide tenía un gran valor simbólico: resalta el poder del faraón, las cuatro aristas representan los rayos de Ra. A medida que iba disminuyendo el poder del faraón, las pirámides disminuirán en tamaño y, por lo tanto, en majestuosidad y colosalismo.

          Los Templos, son construcciones religiosas inicialmente asociadas a los conjuntos funerarios, pero que a mediados del Imperio Medio empiezan a adquirir una identidad propia como lugar de culto y reunión. Fue también a mediados del Imperio Medio cuando empiezan a definirse las distintas partes del templo Generalmente no eran obra de un solo faraón, sino de varios.

ARQUITECTURA GRIEGA

         

La Arquitectura de Grecia ha influido en todos los movimientos arquitectónicos del mundo a lo largo de siglos, como por ejemplo el movimiento de Renacimiento y el estilo neoclásico. Muchas de las obras maestras arquitectónicas del mundo se vieron influidas por la arquitectura griega.

          La arquitectura griega vendrá determinada por el equilibrio, el orden, la proporción y la medida. El material preferido será el mármol

          El monumento más importante para los griegos es el templo y allí se crearon los órdenes clásicos, la sucesión de las diferentes partes del soporte y de la techumbre según tres estilos diferentes denominados dórico, jónico y corintio.

Orden Dórico.

          Es el más austero y sobrio de los tres. El capitel está formado del equino, especie de almohadilla sobre la que descansa el ábaco, paralelepípedo de base cuadrada. Sobre él, están el arquitrabe, el friso y la cornisa. El arquitrabe es liso, en el friso se alternan los triglifos, estrías verticales, con las metopas, decorados con relieves. La cubierta es de tipo a dos aguas por lo que se forma en las fachadas el frontón, en cuyo tímpano aparecen relieves.

Orden Jónico.

          Es más esbelto y femenino. El fuste descansa sobre unas molduras denominadas basa. El capitel consta del cimacio decorado con ovas y flechas sobre el que descansan las volutas, elemento definitorio del orden jónico. El arquitrabe está formado por tres fajas que avanzan progresivamente mientras que el friso está decorado con relieves. La cornisa se mantiene muy similar al orden dórico.

Orden Corintio.

          Sigue las normas del jónico, aunque incorpora novedades en el capitel. Este tiene forma de cesto adornado con hojas de agua y rosas. A veces el fuste de la columna es reemplazado por figuras. Si son masculinas se denominan atlantes o telamones mientras que si se trata de figuras femeninas se llaman cariátides.

          El principal edificio de la arquitectura griega es el templo. Tiene planta rectangular y suele estar formado por tres partes:

          El pronao o vestíbulo abierto y definido por la prolongación de las naves laterales, con dos columnas entre ellas

          La nao o cella dividido habitualmente en diferentes naves separadas con columna. En su interior se sitúan la estatua del dios al que va dedicado el templo

          El opistodomo, estructura similar al pronao, pero en el lado opuesto. Era utilizado habitualmente para guardar los tesoros de la ciudad o del templo

LA NOCHE ESTRELLADA, VAN GOGH

          La noche estrellada es un cuadro postimpresionista pintado el año 1889 por el pintor neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros más importantes del pintor por su estilo único y original, dando inicio a la época de los cuadros y movimiento postimpresionista.

          El óleo se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El título original de la pintura es De Sterrennacht y se traduce al inglés como The Starry Night.

          El óleo fue pintado por el artista Vincent van Gogh durante su internamiento voluntario en el hospital psiquiátrico Saint Paul de Mausole, en las afueras de Saint Remy, Francia.

          Vincent van Gogh renuncia a la forma impresionista de observación directa de la naturaleza, para plasmar formas y colores del ámbito más imaginario y de interpretación más personal, generando un estilo propio y único.

          Su composición muestra un cielo con dos espirales nebulosas que se abrazan una a la otra creando la sensación de movimiento y fluidez.

          En el cielo nocturno, junto con las once estrellas con halo propio y exagerado, se encuentra en la esquina superior derecha una luna creciente de tonos amarillentos igualmente luminosa, dando la impresión de un sol en vez de una luna. La estrella más luminosa del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta Venus. La torre de la iglesia y el ciprés son los únicos dos elementos que apuntan hacia el cielo. Representan el gran poder de la naturaleza, donde tanto lo humano como la naturaleza en sí la ovacionan.

          Van Gogh usa los colores para expresar emocionalidad. La distribución de los colores blancos, amarillos, verdes y azules que el pintor aplica en el cielo son mucho más vivos que los tonos sombríos usados en la ciudad.

          El cielo nocturno, más iluminado que la ciudad, junto con el ciprés, árbol asociado al luto, oscuro y en forma de llama flamante, une el mundo terrenal al mundo celestial, reflejando la relación entre la vida y la muerte.

          La pintura está hecha con pinceladas energéticas y pastosas, formando surcos y relieves. Las líneas son dinámicas al serpentear y ondular por el cuadro creando la sensación de movimiento continuo.

          Vincent van Gogh pintor neerlandés cuenta con otras obras importantes y famosas:

La noche estrellada sobre el Ródano (1888)

Los girasoles (1888)

Retrato del cartero Joseph Roulin (1888)

Autorretrato (1889)

Autorretrato con halo (1888)

El sembrador (1888)

ARTE BARROCO

        

  El Barroco es un movimiento cultural, un estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que más de define es por la ornamentación excesiva.

          El barroco expresó nuevos valores. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del Romanticismo que del Renacimiento, aun cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. El dolor psicológico del hombre, se puede encontrar en el arte barroco en general. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.

          Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:

          En Música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastián Bach.

          En Literatura española, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas; en literatura española americano destaca principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.

          En Pintura italiana están Caravaggio, Pietro da Cortona y los Carracci.

          En la Escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini.

          En la Arquitectura: Bernini y Barromini.

          Entre las características generales del arte barroco están:

          Su sentido del movimiento, la energía y la tensión.

          Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

          Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

          La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los artistas pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.

          El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

          Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.

          La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

          En cuanto a la cultura los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere una particular importancia. Además, la escultura se vuelve urbana, aparece en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

          La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.

MIGUEL ANGEL, SU GRAN LEGADO.

        

  Miguel Ángel fue un triunfador en todas las artes en las que decidió trabajar; sin embargo, la escultura siempre fue su predilecta. Las habilidades y el sentido de perfeccionismo de Miguel Ángel eran tales que aún hoy en día nadie ha podido superar su particular y meticulosa manera de expresar la realidad.

          Michelangelo Buonarroti (mejor conocido como Miguel Ángel para los hispanoparlantes) ha sido, sin duda alguna, uno de los mayores exponentes artísticos del Renacimiento italiano. Este gran artista planteó una nueva concepción no solo del mundo del arte, sino también de toda la civilización europea.

          Entre sus obras se pueden mencionar:

           La Bóveda de la Capilla Sixtina, Su enorme complejidad resalta nada más entrar en la gigantesca sala de la capilla y alzar el rostro. Por ello, es muy popular en todo el mundo. Miguel Ángel decidió plasmar en dicha cúpula la completa narración del Génesis. Para ello, dividió el techo en secciones, simulando diferentes elementos arquitectónicos. Esos adornos hacen las veces de marcos para las diferentes escenas. De todos ellos, la Creación de Adán viene a ser el más poderoso. Debido a lo complicado de llevar a cabo tan inmensa labor y a la negativa del propio artista a tener ayudantes, le llevó varios años terminarla.

          La Piedad del Vaticano es otra de sus obras emblemáticas, la cual se encuentra en el Vaticano, en el interior de la basílica. En él aparecen encarnados la Virgen María y Jesucristo al momento en el que este es bajado de la cruz y ella lo recoge entre sus brazos por última vez. La expresión y el realismo de los detalles, tan cuidados, resultan espléndidos, aunque se trate de una escena dolorosa. Esta escultura está protegida por una gruesa pared de vidrio.

          David, fue una escultura encargada a Miguel Ángel por la Opera del Duomo y resulta impresionante dadas sus dimensiones. La representación del personaje bíblico David, quien derrotó al gigante Goliat, mide 5,17 metros de altura. Se trata de una de las obras escultóricas renacentistas más populares del mundo. Se exhibe en la GAF (Galería de la Academia de Florencia) y se considera un símbolo de la ciudad.

          Moisés, es una escultura que el virtuoso del mármol había decidido tallar rodeada por otras imágenes bíblicas. Sin embargo, muchos opinan que, debido a una errata en las traducciones de los textos sagrados, la cabeza de Moisés fue decorada con un par de cuernos sobre su cabeza cuando, en realidad, debería portar dos rayos de luz.