Formas. El lenguaje de las artes.

En la vida cotidiana, se pueden observar diversos objetos que distinguimos, reconocemos y apreciamos visualmente por su forma. Además de su forma cada objeto posee un color determinado, tiene un tamaño y ocupa un espacio, está hecho de algún material específico y cumple alguna función. La forma está presente en todas las creaciones de artes visuales y pueden presentarse de manera bidimensional; cuando la apreciamos en los dibujos, pinturas, fotos, grabados, entre otros, y también de manera tridimensional; cuando se pueden apreciar a través de esculturas, obras arquitectónicas, artefactos, instrumentos y una extensa y variada cantidad de objetos. Las formas en las artes visuales poseen ciertas características tales como:

La configuración, el tamaño, el color, la textura, la posición.

Existen diversos criterios de clasificación de las formas:

Según su origen, las formas pueden ser:

Naturales, artificiales.

Según sus dimensiones, pueden ser:

Bidimensionales, tridimensionales.

Según la existencia de lo que representen, las formas pueden ser:

Concretas, abstractas.

Las formas según su relación con el fondo son:

Positivas, negativas.

Según las líneas de su perfil o contorno, las formas son:

Abiertas, cerradas.

La forma está presente, además, en la música; las formas son sonoras, captadas y distinguidas en el tiempo a través del sentido auditivo, por otra parte, en las artes escénicas, la forma se refiere al carácter o genero de las obras que se representan, incluyen elementos visuales sonoras y temporal.

La música es el arte de combinar armónicamente sonidos y silencios en el tiempo. Las piezas musicales se organizan en partes melódicas que se repiten o se combinan. Esas partes musicales y la secuencia en que se presentan constituyen la estructura o forma musical. Hay formas musicales libres y fijas.

Cabe destacar que la forma en las artes escénicas como el teatro, la danza y la coreografía, se basa en la actuación de uno o varios artistas durante un tiempo determinado, en un espacio o escenario y en presencia de público. A través de las artes escénicas se pueden expresar ideas, emociones y sentimientos por medio de gestos, movimientos, diálogos, música, efectos de iluminación y de sonido, vestuarios, sobre un escenario, entre otros.

En el teatro, las formas están asociadas a los diversos géneros, puede ser:

Tragedia, comedia, tragicomedia, melodrama, didáctico, farsa, mimo o pantomima.

En la danza o la coreografía, las formas están determinadas por los pasos, expresiones y figuras que realizan los ejecutantes, de acuerdo con el tema y la música.

Elementos de expresión artística.

Los elementos expresivos son aquellos que les permiten a los artistas componer sus obras, plasmar y organizar diversas formas, al mismo tiempo les sirve para expresar ideas, emociones y vivencias. Estos elementos pueden variar según el arte que se realice.

En las artes visuales, como la pintura, la escultura, la cerámica y la arquitectura, existen algunos elementos expresivos que permiten la composición en un espacio, entre los principales tenemos: el punto, la línea, el color, el valor y la textura.

El punto, es la expresión mínima del dibujo. En geometría el punto se designa 0 = "ORIGO", que quiere decir "comienzo" u "origen", en este sentido el punto geométrico y artístico coinciden.

La Línea es la unión de dos o más puntos, ya sea en forma recta, curva. La línea es unidireccional, es decir, posee una sola dirección. Es el trazo que se da para crear formas, expresar y limitar superficies. La línea puede tener diversas posiciones en el espacio, como son: horizontales, verticales e inclinadas (diagonal). También encontramos diversas líneas que al unirse por uno de sus puntos con otra línea forman ángulos: rectos, agudos y obtusos. La línea también puede ser curva, además, expresa diversos tipos de sensaciones como lo son: La línea recta: firmeza. La línea curva: movimiento. La línea horizontal: reposo, estabilidad, calma. La línea vertical: altura, sostén, apoyo. La línea oblicua: movimiento, inestabilidad.

EL color es la luz que ven nuestros ojos reflejados en los objetos. Los colores se clasifican en: Primarios: son aquellos que constituyen las bases de todas las mezclas, también se les llaman colores puros.  Secundarios: son los resultantes de las mezclas de dos colores primarios entre sí. Terciarios: son los efectos de la mezcla de un color secundario con un color primario.

En cuanto a la textura, ésta es expresiva, transmite sensaciones y reacciones al espectador. Su apreciación se puede hacer a través del tacto o la visión, es decir, no hace falta tocar una superficie para saber que textura tiene, a través de la vista, se puede apreciar también.

En la música también encontramos elementos expresivos fundamentales, como: la melodía, el ritmo, el timbre y la intensidad, éstos elementos son organizados por los compositores en el tiempo.

Por otra parte, en las artes escénicas como el teatro, la danza o el cine, se emplean combinados en el espacio y el tiempo, elementos visuales como gestos, iluminación, vestuario, escenografía, entre otras y elementos sonoros como; voz, música, efectos sonoros entre otros.

El Juicio Final, una pintura imponente.

          En 1535, el papa Pablo III encargó a Miguel Ángel, las pinturas de la pared del altar de la "Capilla Sixtina", destinada al "Juicio Final”. Es importante resaltar que este fresco fue encargado en un principio por Clemente VII. En ese momento, él le había propuesto pintar La caída de los ángeles. Pero fue Pablo III quien ordenó la escena del Juicio Final.

          En el "Juicio Final", Miguel Ángel prescinde de los efectos escenográficos de las arquitecturas utilizados en la decoración de la bóveda para condensar la tensión en el contrapunto entre espacio y las concentraciones de figuras que ocupan diversos núcleos. El equilibrio entre argumento cristiano y el clasicismo pagano de las composiciones imperante en la bóveda se rompe a favor de un patetismo expresivo y angustiado. Un gran torbellino de justos subiendo al cielo y de condenados descendiendo a los infiernos agita una gigantesca marea de cuerpos humanos. Únicamente, el juez supremo, con gesto mayestático, imberle al estilo clásico, apolíneo y hercúleo reúne a las masas a su alrededor.

          En la parte superior está ocupado el mundo celestial. La imagen de Cristo aparece en el centro de la obra con el brazo derecho alzado, haciendo un enérgico movimiento para separar a los justos de los pecadores. Se le notan las manos y pies marcados por la crucifixión, y una herida en el pecho por una lanza. Junto a él se encuentra la Virgen María, temerosa. Detrás de ellos surge un destello de luz, y se encuentran rodeados de santos, apóstoles, mártires, confesores y bienaventurados de la iglesia.

          Debajo aparecen un grupo de ángeles, unos con trompetas y otros con el Libro de la Vida y el Libro de la Muerte.

          En la parte inferior de la obra, el grupo se divide en los que ascienden al cielo (izquierda) los que estaban en la Tierra al momento del llamado de Dios; y los que descienden al infierno (derecha), que han sido condenados, se ven desesperados y son obligados a subir a la barca de Caronte.

          Se muestran también dos lunetos en la parte superior del fresco. A la izquierda unos ángeles llevan la cruz, clavos de la pasión y corona de espinas, y a la derecha, otros llevan la columna de flagelación de Cristo

          La pintura al verse finalizada provocó toda suerte de polémica y críticas por los desnudos allí expuestos. Para muchos no se consideraba moralmente apto que ese tipo de figuras se vieran en un lugar tan sagrado como la Capilla Sixtina.

          Se acusó a Miguel Ángel de herejía y se intentó destruir el fresco. Aunque el papa Julio III era tolerante y no se preocupó de los desnudos, a su muerte se decidiría la «corrección» del fresco colocando paños de pureza a todos sus personajes.

EXPRESIÓN CORPORAL

           Los seres humanos podemos expresar nuestras ideas, sentimientos y experiencias de muchas formas. Las formas de expresión más usadas son el lenguaje oral y el escrito, pero también podemos expresarnos a través de nuestro cuerpo y a esto le llamamos expresión corporal.

          La expresión corporal es el conjunto de movimientos, gestos y sonidos que acompaña a nuestra comunicación oral para completar la expresión de ideas, sentimientos y experiencias.

          La expresión corporal busca el desarrollo de la imaginación, el placer por el juego, la improvisación, la espontaneidad y la creatividad. El resultado es un enriquecimiento de las actividades cotidianas y del crecimiento personal. Además, enseña a encontrar modalidades de comunicación más profundas e íntegras, lo que repercute en el encuentro con los demás. La expresión corporal ayuda a descubrir los mecanismos de funcionamiento de los distintos grupos humanos: equipos de trabajo, alumnos de clase, entre otras.

          La expresión corporal también se presenta en formas artísticas como la danza, el baile, la pantomima, la mímica y la dramatización.

          En estas expresiones corporales, el movimiento del cuerpo sigue el ritmo de una pieza musical.

          El baile, generalmente no está asociado a festividades religiosas o folklóricas, sino a géneros musicales como podrían ser: el valse, la salsa, el merengue, el joropo, el dance, entre otros.

          La danza, al contrario de baile puede estar asociadas a festividades folklóricas o religiosas, incluyendo el baile mezclado con algo de dramatización.

          Por ejemplo, los diablos danzantes de Yare, las fiestas dedicadas a los santos, los carnavales y las celebraciones navideñas se consideran más como danzas que como bailes.

          En estas expresiones corporales, los movimientos del cuerpo, los gestos faciales, la emisión de sonidos se combinan para expresar ideas y emociones con un uso mínimo del lenguaje oral.

          Dramatización consiste en simular situaciones reales o imaginarias mediante palabras, sonidos, actitudes y movimientos. En la dramatización la expresión corporal tiene tanto valor como la palabra para expresar ideas y emociones.

          Pantomima, es una dramatización donde no se usa el lenguaje oral. En la pantomima, la comunicación de ideas y emociones la logra el actor mediante gestos, actitudes y movimientos.

          En cuanto a la mímica, es una dramatización donde la expresión de ideas y emociones se realiza casi exclusivamente con gestos faciales. Generalmente, la mímica está asociada a la pantomima.

          La expresión corporal, como disciplina educativa, fue creada y formalizada por Patricia Stokoe en la década del sesenta. El concepto básico es el de danza libre, pero en una forma más general, la definición de expresión corporal abarca toda manifestación del cuerpo que utilice el movimiento como medio.

          El movimiento no se limita a la ejecución estereotipada de un ejercicio físico, sino que es la expresión del cuerpo en todos los niveles de la conducta: psicomotriz, socio-afectivo y cognitivo.

ARTE EGIPCIO

        

  Los egipcios supieron crear un estilo propio que se conservaría a lo largo de toda su historia y entre los temas más frecuentes figuran los motivos geométricos, que se representaban en las primeras vasijas, y posteriormente, en los frisos de pinturas de tumbas, así como la vida del Faraón y temas bélicos, imágenes de la vida de ultratumba y escenas funerarias, pero también de la vida cotidiana y textos jeroglíficos. En algunas de esas pinturas aparecían motivos religiosos, en los que se representaban a los dioses, y frecuentemente, al faraón en actitud de ofrenda hacia ellos, pero también los históricos, especialmente en los templos, en los que se narraban batallas y hechos que aportan luz en estos tiempos contemporáneos sobre diversos episodios de Egipto. Se han podido ver aspectos de la naturaleza, como vegetales o animales, lotos, palmeras, peces, aves, diversas representaciones que nos ayudan a conocer cómo era la flora y la fauna de esa nación.

          Entre las características de la pintura egipcia se encuentra su representación bidimensional, solamente en dos dimensiones, sin aportar sensación de relieve, sin sombras e inclusive el efecto que les aportaban los colores eran planas.

          Las pinturas egipcias se representaban vistas de frente, si bien cuando se trataba de un ser humano, pintaban la cabeza, los pies, las manos y los senos de perfil, el ombligo de tres cuartos, y el resto del cuerpo de frente.

          Los egipcios se pintaban idealizados y siempre jóvenes, porque para ellos lo válido era su visión de la realidad, intemporal, sin cambios, sin influencias del exterior, y esto pasados los siglos ha permitido reconocer la pintura del Antiguo Egipto y sus características, entre el resto de representaciones pictográficas de cualquier época, lugar o corriente estilística. Entre la arquitectura egipcia podemos mencionar:

           Pirámides, las cuales son una construcción funeraria concebida para que en ella repose eternamente el faraón y los objetos que permitían la vida de ultratumba. Sin embargo, algunas nunca se utilizaron. La pirámide tenía un gran valor simbólico: resalta el poder del faraón, las cuatro aristas representan los rayos de Ra. A medida que iba disminuyendo el poder del faraón, las pirámides disminuirán en tamaño y, por lo tanto, en majestuosidad y colosalismo.

          Los Templos, son construcciones religiosas inicialmente asociadas a los conjuntos funerarios, pero que a mediados del Imperio Medio empiezan a adquirir una identidad propia como lugar de culto y reunión. Fue también a mediados del Imperio Medio cuando empiezan a definirse las distintas partes del templo Generalmente no eran obra de un solo faraón, sino de varios.

ARQUITECTURA GRIEGA

         

La Arquitectura de Grecia ha influido en todos los movimientos arquitectónicos del mundo a lo largo de siglos, como por ejemplo el movimiento de Renacimiento y el estilo neoclásico. Muchas de las obras maestras arquitectónicas del mundo se vieron influidas por la arquitectura griega.

          La arquitectura griega vendrá determinada por el equilibrio, el orden, la proporción y la medida. El material preferido será el mármol

          El monumento más importante para los griegos es el templo y allí se crearon los órdenes clásicos, la sucesión de las diferentes partes del soporte y de la techumbre según tres estilos diferentes denominados dórico, jónico y corintio.

Orden Dórico.

          Es el más austero y sobrio de los tres. El capitel está formado del equino, especie de almohadilla sobre la que descansa el ábaco, paralelepípedo de base cuadrada. Sobre él, están el arquitrabe, el friso y la cornisa. El arquitrabe es liso, en el friso se alternan los triglifos, estrías verticales, con las metopas, decorados con relieves. La cubierta es de tipo a dos aguas por lo que se forma en las fachadas el frontón, en cuyo tímpano aparecen relieves.

Orden Jónico.

          Es más esbelto y femenino. El fuste descansa sobre unas molduras denominadas basa. El capitel consta del cimacio decorado con ovas y flechas sobre el que descansan las volutas, elemento definitorio del orden jónico. El arquitrabe está formado por tres fajas que avanzan progresivamente mientras que el friso está decorado con relieves. La cornisa se mantiene muy similar al orden dórico.

Orden Corintio.

          Sigue las normas del jónico, aunque incorpora novedades en el capitel. Este tiene forma de cesto adornado con hojas de agua y rosas. A veces el fuste de la columna es reemplazado por figuras. Si son masculinas se denominan atlantes o telamones mientras que si se trata de figuras femeninas se llaman cariátides.

          El principal edificio de la arquitectura griega es el templo. Tiene planta rectangular y suele estar formado por tres partes:

          El pronao o vestíbulo abierto y definido por la prolongación de las naves laterales, con dos columnas entre ellas

          La nao o cella dividido habitualmente en diferentes naves separadas con columna. En su interior se sitúan la estatua del dios al que va dedicado el templo

          El opistodomo, estructura similar al pronao, pero en el lado opuesto. Era utilizado habitualmente para guardar los tesoros de la ciudad o del templo

LA NOCHE ESTRELLADA, VAN GOGH

          La noche estrellada es un cuadro postimpresionista pintado el año 1889 por el pintor neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros más importantes del pintor por su estilo único y original, dando inicio a la época de los cuadros y movimiento postimpresionista.

          El óleo se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El título original de la pintura es De Sterrennacht y se traduce al inglés como The Starry Night.

          El óleo fue pintado por el artista Vincent van Gogh durante su internamiento voluntario en el hospital psiquiátrico Saint Paul de Mausole, en las afueras de Saint Remy, Francia.

          Vincent van Gogh renuncia a la forma impresionista de observación directa de la naturaleza, para plasmar formas y colores del ámbito más imaginario y de interpretación más personal, generando un estilo propio y único.

          Su composición muestra un cielo con dos espirales nebulosas que se abrazan una a la otra creando la sensación de movimiento y fluidez.

          En el cielo nocturno, junto con las once estrellas con halo propio y exagerado, se encuentra en la esquina superior derecha una luna creciente de tonos amarillentos igualmente luminosa, dando la impresión de un sol en vez de una luna. La estrella más luminosa del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta Venus. La torre de la iglesia y el ciprés son los únicos dos elementos que apuntan hacia el cielo. Representan el gran poder de la naturaleza, donde tanto lo humano como la naturaleza en sí la ovacionan.

          Van Gogh usa los colores para expresar emocionalidad. La distribución de los colores blancos, amarillos, verdes y azules que el pintor aplica en el cielo son mucho más vivos que los tonos sombríos usados en la ciudad.

          El cielo nocturno, más iluminado que la ciudad, junto con el ciprés, árbol asociado al luto, oscuro y en forma de llama flamante, une el mundo terrenal al mundo celestial, reflejando la relación entre la vida y la muerte.

          La pintura está hecha con pinceladas energéticas y pastosas, formando surcos y relieves. Las líneas son dinámicas al serpentear y ondular por el cuadro creando la sensación de movimiento continuo.

          Vincent van Gogh pintor neerlandés cuenta con otras obras importantes y famosas:

La noche estrellada sobre el Ródano (1888)

Los girasoles (1888)

Retrato del cartero Joseph Roulin (1888)

Autorretrato (1889)

Autorretrato con halo (1888)

El sembrador (1888)