ARQUITECTURA GRIEGA

         

La Arquitectura de Grecia ha influido en todos los movimientos arquitectónicos del mundo a lo largo de siglos, como por ejemplo el movimiento de Renacimiento y el estilo neoclásico. Muchas de las obras maestras arquitectónicas del mundo se vieron influidas por la arquitectura griega.

          La arquitectura griega vendrá determinada por el equilibrio, el orden, la proporción y la medida. El material preferido será el mármol

          El monumento más importante para los griegos es el templo y allí se crearon los órdenes clásicos, la sucesión de las diferentes partes del soporte y de la techumbre según tres estilos diferentes denominados dórico, jónico y corintio.

Orden Dórico.

          Es el más austero y sobrio de los tres. El capitel está formado del equino, especie de almohadilla sobre la que descansa el ábaco, paralelepípedo de base cuadrada. Sobre él, están el arquitrabe, el friso y la cornisa. El arquitrabe es liso, en el friso se alternan los triglifos, estrías verticales, con las metopas, decorados con relieves. La cubierta es de tipo a dos aguas por lo que se forma en las fachadas el frontón, en cuyo tímpano aparecen relieves.

Orden Jónico.

          Es más esbelto y femenino. El fuste descansa sobre unas molduras denominadas basa. El capitel consta del cimacio decorado con ovas y flechas sobre el que descansan las volutas, elemento definitorio del orden jónico. El arquitrabe está formado por tres fajas que avanzan progresivamente mientras que el friso está decorado con relieves. La cornisa se mantiene muy similar al orden dórico.

Orden Corintio.

          Sigue las normas del jónico, aunque incorpora novedades en el capitel. Este tiene forma de cesto adornado con hojas de agua y rosas. A veces el fuste de la columna es reemplazado por figuras. Si son masculinas se denominan atlantes o telamones mientras que si se trata de figuras femeninas se llaman cariátides.

          El principal edificio de la arquitectura griega es el templo. Tiene planta rectangular y suele estar formado por tres partes:

          El pronao o vestíbulo abierto y definido por la prolongación de las naves laterales, con dos columnas entre ellas

          La nao o cella dividido habitualmente en diferentes naves separadas con columna. En su interior se sitúan la estatua del dios al que va dedicado el templo

          El opistodomo, estructura similar al pronao, pero en el lado opuesto. Era utilizado habitualmente para guardar los tesoros de la ciudad o del templo

LA NOCHE ESTRELLADA, VAN GOGH

          La noche estrellada es un cuadro postimpresionista pintado el año 1889 por el pintor neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros más importantes del pintor por su estilo único y original, dando inicio a la época de los cuadros y movimiento postimpresionista.

          El óleo se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El título original de la pintura es De Sterrennacht y se traduce al inglés como The Starry Night.

          El óleo fue pintado por el artista Vincent van Gogh durante su internamiento voluntario en el hospital psiquiátrico Saint Paul de Mausole, en las afueras de Saint Remy, Francia.

          Vincent van Gogh renuncia a la forma impresionista de observación directa de la naturaleza, para plasmar formas y colores del ámbito más imaginario y de interpretación más personal, generando un estilo propio y único.

          Su composición muestra un cielo con dos espirales nebulosas que se abrazan una a la otra creando la sensación de movimiento y fluidez.

          En el cielo nocturno, junto con las once estrellas con halo propio y exagerado, se encuentra en la esquina superior derecha una luna creciente de tonos amarillentos igualmente luminosa, dando la impresión de un sol en vez de una luna. La estrella más luminosa del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta Venus. La torre de la iglesia y el ciprés son los únicos dos elementos que apuntan hacia el cielo. Representan el gran poder de la naturaleza, donde tanto lo humano como la naturaleza en sí la ovacionan.

          Van Gogh usa los colores para expresar emocionalidad. La distribución de los colores blancos, amarillos, verdes y azules que el pintor aplica en el cielo son mucho más vivos que los tonos sombríos usados en la ciudad.

          El cielo nocturno, más iluminado que la ciudad, junto con el ciprés, árbol asociado al luto, oscuro y en forma de llama flamante, une el mundo terrenal al mundo celestial, reflejando la relación entre la vida y la muerte.

          La pintura está hecha con pinceladas energéticas y pastosas, formando surcos y relieves. Las líneas son dinámicas al serpentear y ondular por el cuadro creando la sensación de movimiento continuo.

          Vincent van Gogh pintor neerlandés cuenta con otras obras importantes y famosas:

La noche estrellada sobre el Ródano (1888)

Los girasoles (1888)

Retrato del cartero Joseph Roulin (1888)

Autorretrato (1889)

Autorretrato con halo (1888)

El sembrador (1888)

ARTE BARROCO

        

  El Barroco es un movimiento cultural, un estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que más de define es por la ornamentación excesiva.

          El barroco expresó nuevos valores. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del Romanticismo que del Renacimiento, aun cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. El dolor psicológico del hombre, se puede encontrar en el arte barroco en general. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.

          Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:

          En Música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastián Bach.

          En Literatura española, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas; en literatura española americano destaca principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.

          En Pintura italiana están Caravaggio, Pietro da Cortona y los Carracci.

          En la Escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini.

          En la Arquitectura: Bernini y Barromini.

          Entre las características generales del arte barroco están:

          Su sentido del movimiento, la energía y la tensión.

          Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

          Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

          La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los artistas pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.

          El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

          Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.

          La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

          En cuanto a la cultura los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere una particular importancia. Además, la escultura se vuelve urbana, aparece en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

          La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.

MIGUEL ANGEL, SU GRAN LEGADO.

        

  Miguel Ángel fue un triunfador en todas las artes en las que decidió trabajar; sin embargo, la escultura siempre fue su predilecta. Las habilidades y el sentido de perfeccionismo de Miguel Ángel eran tales que aún hoy en día nadie ha podido superar su particular y meticulosa manera de expresar la realidad.

          Michelangelo Buonarroti (mejor conocido como Miguel Ángel para los hispanoparlantes) ha sido, sin duda alguna, uno de los mayores exponentes artísticos del Renacimiento italiano. Este gran artista planteó una nueva concepción no solo del mundo del arte, sino también de toda la civilización europea.

          Entre sus obras se pueden mencionar:

           La Bóveda de la Capilla Sixtina, Su enorme complejidad resalta nada más entrar en la gigantesca sala de la capilla y alzar el rostro. Por ello, es muy popular en todo el mundo. Miguel Ángel decidió plasmar en dicha cúpula la completa narración del Génesis. Para ello, dividió el techo en secciones, simulando diferentes elementos arquitectónicos. Esos adornos hacen las veces de marcos para las diferentes escenas. De todos ellos, la Creación de Adán viene a ser el más poderoso. Debido a lo complicado de llevar a cabo tan inmensa labor y a la negativa del propio artista a tener ayudantes, le llevó varios años terminarla.

          La Piedad del Vaticano es otra de sus obras emblemáticas, la cual se encuentra en el Vaticano, en el interior de la basílica. En él aparecen encarnados la Virgen María y Jesucristo al momento en el que este es bajado de la cruz y ella lo recoge entre sus brazos por última vez. La expresión y el realismo de los detalles, tan cuidados, resultan espléndidos, aunque se trate de una escena dolorosa. Esta escultura está protegida por una gruesa pared de vidrio.

          David, fue una escultura encargada a Miguel Ángel por la Opera del Duomo y resulta impresionante dadas sus dimensiones. La representación del personaje bíblico David, quien derrotó al gigante Goliat, mide 5,17 metros de altura. Se trata de una de las obras escultóricas renacentistas más populares del mundo. Se exhibe en la GAF (Galería de la Academia de Florencia) y se considera un símbolo de la ciudad.

          Moisés, es una escultura que el virtuoso del mármol había decidido tallar rodeada por otras imágenes bíblicas. Sin embargo, muchos opinan que, debido a una errata en las traducciones de los textos sagrados, la cabeza de Moisés fue decorada con un par de cuernos sobre su cabeza cuando, en realidad, debería portar dos rayos de luz.

ORFISMO. Puro arte

          Es una corriente estética que surge entre las múltiples vanguardias de comienzos del siglo XX, y se adscribe al movimiento abstracto.

          Con el nombre de Orfismo lo bautiza, en 1912, el poeta Guillaume Apollinaire, término que alude a Orfeo, personaje que en la mitología griega se asocia a la música y la poesía. El término lo utilizó Apollinaire para englobar a un grupo de pintores que ,1912, exponen en la galería Der Sturm de Berlín: Delaunay, Kupka, Léger, Duchamp, Picabia, Kamdinsky. En los que se observaba como característica común, que habían introducido en el cubismo nuevas reglas relacionadas, sobre todo con la fragmentación de la luz y el color.

          Sera un movimiento artístico muy corto, de 1911-1914, pero de gran trascendencia para el arte abstracto en general. El Orfismo, además de ser un antecedente de la Pintura Abstracta es precursor también del Arte Óptico. El uso de los colores en contrastes simultáneos hace que se generen vibraciones ópticas y así se produce un efecto de movimiento. Esta corriente se podría definir como un arte puro, capaz de relacionar el papel estético y el contenido sublime y poético de la obra de arte con la investigación científica.

          El Orfismo es en realidad una derivación y modificación del estilo cubista en su camino a la abstracción. Comienza cuando el cubismo ha llegado a su fase sintética con el regreso al color, y se trata, en un principio de una imitación bastante superficial del mismo.

           Con los pintores Robert y Sonia Delaunay el Orfismo evolucionara hacia formas geométricas sin ninguna referencia a la realidad.

          Entre las características de esta corriente se pueden mencionar las siguientes:

          Ser una pintura abstracta que sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.

          Se interesa por la exaltación del color puro.

          Principalmente utiliza tintas planas con colores puros y con grandes contrastes.

          para conseguir gran luminosidad en el cuadro se contraponen los colores primarios con sus complementarios

          Las formas circulares que imprimen movimiento a la composición, son por las que se inclina más.

          El objetivo es, mediante la forma geométrica y la asignación estudiada del color en cada una de las secciones conseguir el mayor dinamismo posible causando, incluso, sensación de movimiento en el espectador.

          No les interesa la identificación del espacio pictórico.

PHILIP GUSTON

Philip Guston que había nacido en Montreal, Canadá en 1913; hijo de padres judío de origen ucraniano que tienen que salir de Europa huyendo del antisemitismo; la familia, a los pocos años, se traslada a Los Ángeles, y con catorce años Philip ingresa en la Escuela de Arte de Los Ángeles donde estudia. Pintor y grabador de la Escuela de Nueva York, junto a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Gork y Motherwel, define el expresionismo abstracto, primer gran movimiento propio en la historia de la pintura de Estados Unidos.

          París, durante el siglo XIX y la primera mitad del XX, fue el centro de la cultura mundial, pero el auge de los totalitarismos y la Segunda Guerra Mundial transformaron Europa y París cede de ser capital de la cultura a Nueva York, ciudad a la que llegaron artistas, marchantes y críticos de arte, que trajeron consigo un nuevo arte, que mostraban en galerías y exposiciones y que también divulgaron ejerciendo la docencia. De entre ellos podemos destacar a Salvador Dalí, Max Ernst, André Masson, Piet Mondrian y los también exiliados Josef Albers y Hans Hofmann que a través de la enseñanza en centros de arte y universidades mostraron, a varias generaciones de pintores estadounidenses, el arte abstracto y las vanguardias europeas.

          Como resultado, en Nueva York donde imperaba el Realismo Social, movimiento que reflejaba la vida cotidiana de los norteamericanos, se despertó el interés por el Expresionismo alemán y el Surrealismo.

          Philip Guston en estos años viaja por México para estudiar murales antiguerra. Esto inspira la pintura de sus propios murales figurativos, e influenciado por ellos, realiza un mural de contenido social y político en el interior del Museo Regional Michoacano de la ciudad de Morelia.

          En México como en Estados Unidos, el muralismo en la primera mitad de los años treinta, se está apartando de su ímpetu crítico y revolucionario inicial. De esta etapa destacamos:

          Mother and Child. 1930, la pinta con 17 años. Representa el momento íntimo de la madre lavando al niño.

          Bombardment. 1937, en formato circular, recoge la tradición renacentista de “tondo”, representa el momento en que la población de Guernica fue bombardeada durante la Guerra Civil español y a pesar de representar un momento de crueldad, está realizada con colores luminosos, entre los que resaltan el verde acido, rojo y amarillo.

Gladiator. 1938, de contenido social y estilo realista, y con in fluencia del muralismo mexicano paralelo a la realización de “Gladiator,” Guston pinta murales en Nueva York como parte de un programa de Works Progressexicano Administration (WPA).

Philip Guston continuaría pintando murales hasta 1942.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON, DE PABLO PICASSO

Óleo sobre lienzo pintado por Pablo Picasso durante los meses de junio y julio de 1907. Con una gama de colores rosa, ocre, azul y blanco. Lo podemos ver en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

          Sobre el título “Las señoritas de Avignon”, recordar que Picasso no solía poner títulos a sus obras inmediatamente y a esta le ocurrió lo mismo; cuando Picasso la presenta a sus amigos era una obra sin título, y se cree que fue su amigo Apollinaire quien la denomino “El burdel filosófico “ y después André Salmon quien la llame “Les demoiselles d'Avinyó”, en referencia a una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos; la calle era poco conocida y pronto se empezó a confundir con el nombre francés Avignon, tan cercanos en la pronunciación. Picasso guardo el cuadro hasta que en 1916 se expone por primera vez en el Salón d’Antin. Ocho años más tarde, Picasso lo vende a Jacques Doucet por un precio no muy elevado, que lo exhibe en el Petit Palais en 1925. En 1937 lo compra Germain Seligmann, por 150,000 francos. Después estuvo expuesto en la galería estadounidense Jacques Seligmann, en una exposición titulada “20 Years in the Evolution of Picasso 1903-1923”.

          En la pintura se puede apreciar a cinco mujeres desnudas y un bodegón compuesto por algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco. De las cinco mujeres hay tres que tienen caras especiales, como si en realidad tuvieran máscaras sobre el rostro. La mujer de la izquierda parece que entra en la habitación y sujeta un cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado tiene una perspectiva muy especial. A primera vista parece que está de pie, aunque con una postura forzada. Si el espectador se abstrae en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista desde arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. A continuación, la mujer que está en el centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En la esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición anatómicamente imposible, de espaldas al espectador, pero con la cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la quinta mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina.

EL CARTEL, MEDIO DE COMUNICACIÓN.

         

El cartel de publicidad surge como una forma de propaganda y difusión de ideas. Jules Cheret, (1836-1933), es considerado el padre del cartel moderno.

          El éxito de los carteles de Jules Cheret está en sus composiciones asimétricas de gran dinamismo y con cierto aire erótico para la época. En ellos destaca la mujer en primer plano, mujer atractiva e insinuante, que nos invitaba a obtener el producto anunciado como si ello conllevara el derecho de poseer a la modelo. El cartel es un instrumento público de persuasión, que nos vende una idea mediante la masificación de su imagen en lugares públicos.

          Su objetivo más común es el comercial, pero no es el único. También hay carteles de carácter informativo, político, cultural y religioso. Y no olvidemos que son verdaderas obras de arte. Suelen ser Litografías o Serigrafías que se imprimen sobre láminas de cartulina, papel, cartón u otro material.

          El desarrollo litográfico en tres colores de Cheret permitió que los artistas alcanzaran los colores del arco iris con tan sólo tres piedras, generalmente rojas, amarillas y azul. Aunque el proceso era difícil, el resultado del color y textura era muy bueno. Lo que hizo de la litografía la herramienta del cartel junto con la Serigrafía.

          A finales del XIX y las primeras décadas del XX, Europa vive la época dorada de los carteles. Carteles realizados por artistas plásticos, pioneros en el lenguaje gráfico publicitario. Carteles que se exponían en la ciudad y que iban dirigidos a la burguesía urbana que podía adquirir los atractivos productos que se le ofrecían.

          Los pintores encargados de crear estos anuncios se inspiraban en los estilos artísticos de la época y utilizaban los códigos visuales que conocían para situarlos junto al nombre comercial que anuncian. El pintor impresionista francés Henri de Toulouse-Lautrec fue uno de los pioneros con su Moulin Rouge: la Goule, en 1891.

          El objetivo del cartel era promocionar el espectáculo del Moulin Rouge y para ello utiliza la figura de sus dos bailarines principales, a los que representa en siluetas planas, recortados sobre un fondo también plano y silueteado. El punto de vista elevado, siguiendo la danza de la bailarina, será muy común en el artista, que toma como modelo a Degas.

          La publicidad buscaba, entonces y ahora, emocionar, sorprender, divertir, persuadir… e invitar a los consumidores a comprar lo que se les ofrece. Se trata de crear una etérea y delicada línea de comunicación entre el anunciante y el viandante observador, a principios del XIX dominante en toda Europa es lenguaje modernista. Entre los cuales Destacamos a:

          Alphonse Mucha (1860-1939) es otro de los primeros artistas que plasma su arte en carteles publicitarios.

          En España destaca, en esta corriente, Ramón Casas que inmortalizó la marca Anís del Mono en 1898.

          El Modernismo es un fenómeno que surge a finales del siglo XIX y sigue su trayectoria hasta principios del siglo XX en Europa y América. La estética modernista es muy peculiar con sus trazos de líneas ondulantes y orgánicas muy sensuales, que hacen alusión a la naturaleza, dando vida a un estilo glamoroso. Abarcada a cualquier manifestación artística, arquitectura, cerámica, mobiliarios, decoración de vidrieras.